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不求金牌，只求毛线够用？奥运“织男”火了
2026-02-02 11:55:27
对于初学者，她建议从YouTube上学习基础技巧，选择感兴趣的小项目开始，比如杯垫、小帽子和小包包。也可以从ins上学习，devout_hand、fozzstudio、otimo_studio都是她常看的号。
在她看来，编织能起到治愈作用。她从不为想织什么而焦虑：“编织就是为了放松”。享受在一段时间内慢慢完成让自己快乐的事物，这才是慢生活的本质。
Jessie Mordine Young
你试过用织物来记日记吗？来自纽约布鲁克林的Jessie Mordine Young是一名纺织艺术家，研究、制作与教学纤维艺术。她认为纺织品是同理心、记忆与生活体验的载体。
Jessie Mordine Young
过去一年里， Jessie完成了一项为期365天的编织挑战，每天创作一副不同的编织画。这些作品共同构成了一本编织日历，以抽象的色彩和线条记录了她作为艺术家的生活。为了留给自己充裕的时间，她每天早上5点起床，逐渐使编织形成了一种舒缓的生活仪式。
为了能“随时随地”进行编织活动，她采用的主要工具是便携框架织机，纱线则由天然染色工艺来绘制。两个系列里的作品基本都采用较为简单的编织结构，朴素的线条和图案承载了对生活的细腻观察。
对于Jessie来说，编织是一门拥有深厚历史的艺术。“它几乎在世界各地同时发明，解决了人类的住房和温暖问题。所以我们看到用芦苇编织的建筑物或几个世纪前的编织服装仍然保存在博物馆里。”
Renilde De Peuter
比利时艺术家Renilde de Peuter 为她的纺织品专门开了一个视觉博客，与爱尔兰小说家Flann O'Brien 在1939年创作的小说《At Swim-Two-Birds》同名。
她以自然、纹理、细节和光线等主题为灵感创作纺织品，创作的许多靠垫和壁挂作品都来自于散步时的所见所闻和对照片的直观描述。在她的网站上你会看到“乌鸦袭击秃鹰”、“只是图片和剪报的混合”这样朴实直白的叙述。
透过她的作品，我们可以看到平面之下蕴藏着一个充满丰富纹理的世界。色彩随着纱线边缘一层层晕开，如同一支毛笔蘸满浓厚水墨，重重滴落后自然形成的笔触。
这些独具特色的垫子是由Smyrna（土耳其结粒绣）针法采用“几乎来自任何地方的”棉线和羊毛织成，这种织法融合了多种材料，也满足了艺术家囤积的冲动。
Renilde de Peuter还热衷于编织隔热锅垫和杯垫，把神秘的宇宙天体变成为晚餐增添快乐的一员。
Tanchen studio
“TANCHEN”既是创始人Amber和Sanchia中文姓氏拼写的组合，又和“tension”同音，寓意织布时经纱的松紧程度。两人以“织”为设计原点，将灵感细密地编织进形形色色的织物之间，赋予常见生活用品温度与柔软。
在和tbh的合作中，TANCHEN将破拼色尼龙织带和伞绳重新组合，底部编织部分由手工制成，一朵朵紧密堆叠在一起的小花洋溢着春日的气息，长长的织带可以悬挂在室内的各种角落，在阳台上就可以打造自己的可持续小花园。
同样引人瞩目的还有一系列编织杯垫。R/R系列延续自铝与尼龙融合的ST##L马扎系列，是TANCHEN对于尼龙材质与不同工艺、材料再结合的可能性探索。杯垫正面反面都可以被使用，四种不同色彩纵横交错，体现出丰富的情绪。
0/0 + B/B = 8/8!
0/0 系列与 B/B 系列的 1+1>2。流动延展的结构延续了 0/0 系列关于包身形状的“自定义”，木珠与玻璃珠缀入尼龙橡筋的色彩之中，为质感增加了别样的可能。古朴与现代感相糅，是TANCHEN 向内探索材料组合的一次新的尝试。
TANCHEN 8/8系列
小品织物是TANCHEN的特色。可爱的“零零酒袋”能够随着不同酒瓶的形状自由延申，它由尼龙弹力绳子和复合橡木手工制成，只需一折便可以塞进口袋里随身携带。
全球化的浪潮中，民族手工编织以其独特的纹理、色彩和故事受到许多关注。专业设计师和民间手工艺人合作，将传统工艺与现代设计相结合，创造出既有民族特色又符合现代审美的产品。CHANGPHEL 山赴携手藏族阿佳，用织物连结传统与现代。
民族手工编织也为品牌提供了与当地社区建立联系的机会。通过支持和推广这些手工艺，品牌可以帮助当地手工艺人获得更多的市场机会。很多原本作为“全职家庭妇女”的纺织者，因此改变了生活。和naze naze合作之后，许多妇女给家里每年多带来五分之一的收入，不再是“全职留守妇女”。
何鲜
何鲜的工作室Studio Monana从2019年开始了短视频创作者为索引的民间手工艺调研：“老铁设计公司”。在过去几年，老铁设计公司涉及到了6种手工艺，今年则扩展到了21种。
家庭钩织是其中一门重要课题。这些掌握钩织工艺的女性有的是留守妇女，有的是陪读妈妈，闲暇时间她们通过钩针进行创作，在作品中融入对家人的爱和关怀，如同一种无声的表白。
去年开始有段时间，何鲜觉得自己喜欢的设计和对待世界的方式好像很无力，因此暂停了一段时间，“老铁设计公司”的“老铁们”让她重新鼓起了勇气。和大家闲聊之后，她才发现原来自己已经在切实地改变着他人的生活。
比如钩针的手艺负责人小丹原本是一名全职妈妈，四年来因为创作赚钱，在家里的地位大大提高。“从全职留守妇女变成了‘事业女性’，可以使唤老公做家务了！”
她还带动了周围其他环境类似，想要改善生活的姐妹们，一起用钩针工艺开发更加现代和有设计感的织物。在Studio Monana关于钩织的崭新项目“好爱你毛线部”，这种配合将会以更丰富的形式延续下去。
人工智能越来越普及的当下，部分设计者开始用电脑生成图样。但何鲜仍然执拗于手工艺的价值。她说：“存在主义哲学中说，创造者是非常稀缺、高级、幸福的动物。闷头沉迷某一种手艺的手工艺者就是偷偷幸福的家伙。”
CHANGPHEL 山赴
每年春秋两季，藏民会收集藏北绵羊自然脱落的羊毛，经过清洗、梳理、染色等一系列繁复的手工工序，最终制成各种羊毛制品。毯、垫、毡、帽、衣、衫、袜……羊毛以其多变的形式，贯穿于藏民的日常生活之中。
山赴在设计上海©TANS（来源：官方公众号）
每年春秋两季，藏民会收集藏北绵羊自然脱落的羊毛，经过清洗、梳理、染色等一系列繁复的手工工序，最终制成各种羊毛制品。毯、垫、毡、帽、衣、衫、袜……羊毛以其多变的形式，贯穿于藏民的日常生活之中。
手工藏毯品牌CHANGPHEL 山赴创始人王员外在2015年结束了中东的工作回到藏地，在前辈牵线下接触和了解到藏毯这门技艺。历经十年的探索和创新，他以手工藏毯的主要原材料-藏北羊毛的藏文音译确立了CHANGPHEL 山赴品牌的概念。
山赴工坊中大多数的匠人都是当地女性，按照藏语称之为阿佳。虽然这门技艺在藏地传承中从未曾中断过，但是因为生活方式和理念的不同导致多数的藏地手艺“佛系”严重，也就是没有标准没有要求。尤其是相对复杂且高精度的图案设计，很容易就会出现参差不齐的结果。为了保证质量，阿佳们必须重新接受技艺训练并通过严格的考核。
因为藏毯技艺传承的时间非常之久，所以有非常多的设计图案流传下来，而阿佳们通过耳濡目染学习到和保留在脑海中的设计也非常多，很多时候山赴会将一些传统设计的改变和在衍生的工作交于她们来完成，碰撞出令人意想不到的火花。
山赴在设计上海©TANS（来源：官方公众号）
这给当地居民也带来了实打实的生活改变。原本被限制在家庭中的阿佳们通过双手做工而获取到了稳定的收入和报酬，并且按照国家规定的节假日享受着假期和休息。而山赴山南工坊已经成为当地旅游示范点，许多山赴的粉丝们来到这里亲身体验手工藏毯编织技艺，感受阿佳们双手做工的温度。
虽然人工智能飞速发展，但目前藏毯传承 4000 年之久的穿杆打结工艺还无法被任何机器或者人工智能所取代。山赴设计师也相信，人类双手编织带来的温度以及手工操作留下的独一无二的痕迹无法被取代。
naze naze
“naze naze”在独龙语中意为“慢慢地”，取自独龙语“naze naze jora”“慢慢织布”。它在寻找当下仍保有手工纺织传统的地区，通过与当地“织女”合作，将传统手工艺和当下生活连接。
最早合作的独龙族妇女，以其独特的编织技艺和色彩鲜艳的独龙毯而闻名，被誉为“织彩虹的民族”。
naze naze 在不影响织女日常生活的情况下，让她们可以通过在家里织布获得收入。品牌将当地的风景作为配色灵感设计成的独龙毯，制作成毯子、提包、坐垫、靠垫、眼罩、披肩等物日常用品。由参与项目的织女们手工织造，既保留了原有的织布习惯，又融入了现代审美。
在 naze naze 位于上生新所的布店内，每个产品都标有织女的名字，记录着她们的故事。从织物的细密纹理间，也能辨识出手工痕迹。颜色的渐变、经纬之间松紧程度的细微差异，使得每一件织物变得独一无二。
随着 naze naze 九周年的到来，品牌决定举行一项特别的活动，向独龙江乡、大利侗寨、俄亚纳西乡和孟连的织女们共同发出邀请，以“为家人织一块布”为题，织就一幅充满情感和温度的织品，共同进行一场织布大赛。
2023年，naze naze 和孟连项目在地的合作方，共同发起了第一次孟连织布大赛。比赛鼓励织女们发现日常织布以外的新可能，将自己对美的理解经由双手织布来表达，并展示自己最擅长的织布技巧。
每个地区将进行内部评选，选出最优秀的作品，然后进行跨地域的评选。到今年秋天，获胜者将被邀请参加线下聚会，面对面交流，分享织布的故事。虽然并不互相了解，但是织物是彼此共通的语言，把大家联结在一起。
编织艺术如同织物本身，虽然身段柔软，但却“坚刚不可夺其志”。早在1万多年前，生活在如今秘鲁的瓦里人就用简单的纺纱纤维工艺创造出生动的挂毯，虽然印加帝国早已消亡，但土著居民的反抗精神却被流传记录。毕业于包豪斯的纺织大师安妮·阿尔珀斯遍访美洲文明，探寻织布机的起源；维库尼亚从古老的结绳记事中获取灵感，创造一件又一件“奇普”。
回到现代，20世纪60年代，MoMA举办了首个聚焦于纤维艺术的展览“Wall Hangings”，许多后来我们耳熟能详的女性艺术家都是其中的主力。但在当时，纺织并不完全归类于艺术，而是被更多认为是“实用手工艺品”。而像盐田千春这样的女艺术家以纺织为语言，倾诉着自己澎湃的情绪，用作品本身证明了纺织的艺术价值。
View of the exhibition “Wall Hangings,” 1969, at theMuseum of Modern Art, New York.Courtesy Museum Of Modern Art Archives, New York. Photo Stan Ries.
在这样的负面评论中，纤维艺术顽强地生长着，如同一股暗流从20世纪末涌动至今。它将不同民族的表达整合在一起，成为一种极为独特的设计语言，虽然身段柔软，但却传达出“坚刚不可夺其志”的理念。
安妮·阿尔伯斯
纺织艺术家安妮·阿尔珀斯将线条转化为纱线，通过手工编织，让材料本身成为艺术表达的媒介，自由延展和流动，展现出绘画作品中的生命力。
根据织物的不同形态，她会注意到质感的改变。比如面对包裹性的织物，会更加强调材质的柔软；而悬挂观赏的织物，更需要加强其垂坠感。
安妮·阿尔伯斯在黑山学院编织工作室工作，1937 年 ©The Josef and Anni Albers Foundation
安妮·阿尔伯斯，《壁挂（Wallhanging）》，1925年©The Josef and Anni Albers Foundation/Artists Rights Society
安妮·阿尔伯斯，《红河曲（Red Meander）》，1954年，私人收藏 ©2018 The Josef and Anni Albers Foundation/Artists Rights Society (ARS）
1930年，安妮·阿尔伯斯凭借对材料创新的贡献拿到了包豪斯学院的文凭。她革新了礼堂中常用于吸收噪音的天鹅绒，巧妙地结合玻璃纸、棉线和雪尼尔绒线，创造出一种新型织物。不仅能够减轻噪音，能展现出一种独特的光泽感，为室内空间带来全新的视觉体验。
安妮·阿尔伯斯，玻璃纸、棉、雪尼尔，1929 年，6 × 13 厘米 ©The Josef and Anni Albers Foundation
安妮·阿尔伯斯在德国伯瑙工会学校礼堂墙面材料正面和背面，1929年©the Josef and Anni Albers Foundation/Artists Rights Society (ARS), New York/DACS, London
对编织的热情与洞察贯穿了她的艺术生涯。在发掘编织的美学潜力过程中，她遍访美洲古文明，多次深入拉丁美洲腹地探索织布机的起源，将编织品作为文化交流和象征意义的载体，开创了“图画编织”这一艺术形式。
对编织的热情与洞察贯穿了她的艺术生涯。在发掘编织的美学潜力过程中，她遍访美洲古文明，多次深入拉丁美洲腹地探索织布机的起源，将编织品作为文化交流和象征意义的载体，开创了“图画编织”这一艺术形式。
维库尼亚
维库尼亚的编织艺术深深植根于她的文化传统与个人经历。她所使用的材料——棉、麻、毛线等自然原料，不仅串联起历史的回忆和当下的不安，也象征着天地人和其他生命的紧密联系。
她的编织作品被称为“奇普”（quipu），这是印加文明古老的结绳记事方式，一种没有文字的书写系统，将所有信息编进绳索内。维库尼亚的“奇普”，既是对这段历史与传统的纪念碑，也是对失落物质语言的重塑。
塞西莉亚·维库尼亚，《奇普经期》，第13届上海双年展“水体”现场，2021年，图片来源：上海当代艺术博物馆
她的代表作是泰特现代美术馆涡轮大厅展出的《大脑森林奇普》（Brain Forest Quipu），这件高达27米的装置用羊毛、棉布、丝线等材料构建，与涡轮大厅冷峻的工业文明背景形成鲜明对比。从天而降的悲壮脆弱感，仿佛支离破碎，被重新挖掘出的远古动物骨架，象征着生态的破坏和原住民栖居地与传统的侵蚀。
塞西莉亚·维库尼亚，《大脑森林奇普》在泰特现代美术馆展览现场，2022年
盐田千春
2015年，盐田千春的作品《手中的钥匙》在威尼斯双年展上展出，用5万把钥匙和400千米纱线串联，悬挂于贡多拉船之上，成为当年最有话题性的展品之一。
编织对盐田千春而言，不仅是艺术创作，更是与宇宙产生联系的材料。她用线构建几何形状，无数根线交叠、缠绕，形成特有的空间。她的作品中，船是重要元素，它象征着旅途，也是家与未知的结合体。
编织对盐田千春而言，不仅是艺术创作，更是与宇宙产生联系的材料。她用线构建几何形状，无数根线交叠、缠绕，形成特有的空间。她的作品中，船是重要元素，它象征着旅途，也是家与未知的结合体。
盐田千春在其工作室内，图片由盐田千春工作室提供。photo©Sunhi Mang
2019年，盐田千春在东京森美术馆的个展《颤栗的灵魂》打破参观人数纪录，展出了她25年来最重要的作品。其中，《我们将去往何方？》由65艘手工编织的白色帆船组成，从美术馆天花板上倾泻而下，如同逆流而上的个体，对未来既胆怯又充满期待。
我们将去往何方，2017/2021，©德国波恩VG Bild-Kunst图片和盐田千春
每件作品的创作过程都是一次冥想，盐田千春根据展出场地的具体情况，重新编织作品。她用红线表达忧愁和不安，黑线代表恐惧，白线象征纯洁和终结。每次展出结束，所有的织线都会被剪断，象征着结束也是新的开始。
未知的旅程，2016/2021，©德国波恩VG Bild-Kunst图片和盐田千春
如同劳伦·埃尔金在《纺织品作为一种女权主义异议形式》中写：“在我们被告知无身体、基于屏幕的人工智能是我们注定要面对的未来时，转向纺织品是对艺术材料、触觉和身体亲密关系的一种回归。陶醉于粗大、扭曲、沉重、凌乱、五颜六色的纱线之中，是多么惬意的一件事啊！”
作为一种古老的艺术形式，手工编织代表了人类的创造力、情感和对美的原始追求。现代社会里，随着AI技术的不断进步，许多重复性、技术性的工作完全可以被机器代替，但手工编织作品的一针一线都蕴含着制作者的情感和时间的痕迹，这种“不够完美的”手作温度是AI永远无可代替的。
看完这期手工编织，你会选择如何装饰你的房间？最喜欢哪个作品呢？欢迎下方留言和我们分享你的想法，DECO将选出一位精彩留言送出一本新刊。
监制｜tango
新媒体编辑| 冷面
文 | 虾饺
设计 |Freda
助理｜easson
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